Hele sa hiwagang hapis

Lav Diaz (2016)

Para comprender del todo el cine de Lav Diaz hay que conocer la Historia de Filipinas, al menos desde la colonización española hasta la actualidad. Porque su obra está dedicada a su país si bien él mismo no comprende a su país. Me explico: El hecho de poder entender a un país que ha pasado por tanto a lo largo de su existencia, que aún hoy está pasando por cambios sustanciales, supone un cansado y duro ejercicio de memoria y reflexión. El cineasta, carente de una respuesta, pero perseguidor de un ideal, se hace preguntas que conducen a otras preguntas más complicadas. Buscando el significado de la libertad en su tierra, el alma de su gente; en definitiva, el “Espíritu Filipino”, Lav Diaz se embarca en un viaje sin retorno por la inmensa jungla, para no poder salir, al menos no con las cosas claras.

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Drvo

André Gil Mata (2018)

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Béla Tarr afirmó en una entrevista, a propósito de su película A londoni férfi que cualquier director de Hollywood podría haber contado la misma historia en treinta minutos (la película dura dos horas y veinte), pero que él no quería contar una historia, sino mostrar la vida de ese hombre. Al pensar ahora en Drvo pienso en Béla Tarr automáticamente y no es de extrañar pues Gil Mata fue alumno suyo en la escuela de cine, ahora inactiva, de Sarajevo. Sus cines comparten mucho, eso es innegable, pero distan mucho en lo que un servidor considera esencial. La mirada.

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Démanty noci

Jan Němec (1964)

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La Atracción (en nuestro diagnóstico del teatro), es todo momento agresivo en él, es decir, todo elemento que despierta en el espectador aquellos sentidos o aquella psicología que influencia sus sensaciones, todo elemento que pueda ser comprobado y matemáticamente calculado para producir ciertos choques emotivos en un orden adecuado dentro del conjunto; único medio mediante el cual se puede hacer perceptible la conclusión ideológica final. 

—Sergei M. Eisenstein

A menudo -y con toda razón- se ha afirmado que todo arte trabaja necesariamente con un montaje, es decir, con una selección y nueva composición de partes y elementos. Pero la imagen fílmica surge en los planos y existe dentro de cada uno de ellos. Por eso, en el trabajo de rodaje tengo en cuenta el flujo de tiempo dentro del plano e intento reconstruirlo y fijarlo con precisión. El montaje, por el contrario, coordina planos ya fijados en cuanto al tiempo, estructura con ellos el organismo vivo de la película, en cuyas venas bulle con una presión rítmicamente variable el tiempo, que garantiza su vida.

 —Andrei Tarkovski

Démanty noci es una película para analizar, y por esto una mera reseña se queda en nada en comparación. Para empezar a hablar de una obra de tal magnitud he decidido empezar con dos citas sobre el montaje, una de Eisenstein y otra de Tarkovski para ver hasta que punto estos dos autores se oponían en sus ideas sobre la concepción del montaje y posterior función del tiempo en el cine.

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Tikhiye stranitsy (Whispering Pages)

Aleksandr Sokurov (1994)

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En el buen cine todo está calculado, lo queramos ver o no. Pero siempre hay factores ajenos al control humano. El movimiento de la niebla, la forma del agua, el pliegue de la ropa al viento… En esta gran obra del maestro ruso Aleksandr Sokurov el sonido del agua se filtra en diferentes escenas, así como el continuo flujo del vapor. Humedad ambiental en contrapunto a la imagen seca que responde a un deseo del creador, pero que lo trasciende incluso a él cuando se libera.

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Krisana

Fred Kelemen (2005)

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Un suicidio que podía haber sido evitado lleva a Matiss a recabar información sobre una persona a la que no conocía y menos aún le importaba, a intentar llenar ese vacío que conforma su existencia y en cuyo epicentro empieza a nacer la semilla de la culpa. En el archivo donde trabaja todo está milimétricamente ordenado, pero su perdición es tan inmensa como la luz que baña el agua bajo el puente.

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Luminous Void: Docurama

Rouzbeh Rashidi (2019)

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El curioso cine de Rouzbeh Rashidi podría definirse en una sola palabra, pero sería demasiado poco esclarecedor hacerlo. Por esa razón, hay quienes optan por usar un diccionario completo de adjetivos muy diversos y diferentes para intentar definir su cine. Respuesta lógica para hablar de algo que no tiene ningún sentido concreto y se limita al experimento más extravagante y personal.

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Uzel

Aleksandr Sokurov (1999)

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Cuán desdichados sois los artistas, que jamás disfrutaréis de vuestra obra. Rodeados de tinieblas y en soledad, alumbráis el corazón del mundo.

Sokurov es el director más curioso y dispar que he tenido el placer de conocer. En su haber podemos encontrar títulos tan dispares que nadie podría decir que pertenecen a un mismo autor, aunque por otra parte, puede apreciarse un talento singular impreso en todos ellos. La planicie de las imágenes y el sosegado ritmo de los planos, unido a su neblinosa y maqueada estética hacen de su obra algo remarcable e intransferible. De entre sus películas caben destacar sus “documentales”, tales como Dukhovnye golosa, Povinnost y Uzel (la que nos ocupa), los cuales proponen un acercamiento al ser humano, mediante la contemplación, el viaje y la memoria. Ambas tres tienen una duración elevada —superando las tres horas— y en cuanto al aspecto narrativo las dos primeras se asemejan más. El caso de Uzel es diferente y hasta dónde yo sé, Sokurov no pretendía otra cosa. El modo de filmarlo no es para nada a lo que nos tiene acostumbrados y desgraciadamente es uno de sus trabajos menos conocido —no se habla nada de Uzel en el libro más completo que he podido encontrar sobre el autor: The Cinema of Alexander Sokurov: Figures of Paradox—.

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Zerkalo

Andrei Tarkovski (1975)

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Ardua tarea la de hablar de cualquier film de Tarkovski y más aún de Zerkalo. Una película que se aleja de un concepto material, adentrándose en uno mucho más ambiguo y espiritual. Uno que evoca recuerdos y susurra poesía. Este es un film que escapa al naturalismo y a la matemática para adentrarse en materia de la mente con un subjetivismo absoluto.

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Tabiate bijan

Sohrab Shahid Saless (1974)

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El tren, aparte de ser un mero medio de transporte, en el cine tiene un simbolismo demasiado fuerte y evocador como para pasarlo por alto. Su naturaleza recurrente en muchos de los grandes films de la historia no puede darse por eludida, y mucho menos en una crítica de ésta película. Muchos autores han hecho uso del tren como símbolo en sus películas, desde Víctor Erice en El espíritu de la colmena (1973) hasta José Luis Guerin con su Tren de sombras (1997), pasando por Madre e Hijo (1997) de Aleksandr Sokurov y Polustanok (2000) de Sergei Loznitsa. En todos ellos el tren es un elemento lejano, fantasmal. Un mensajero del tiempo unidireccional, a grandes rasgos. El destino y el devenir de una vida que va a tocar a su fin. Sin embargo, en ninguna de las cintas mencionadas, ningún personaje interactúa con él. Siempre se muestra como una figura inalcanzable, como la representación de algo inevitable. Aquí es donde Tabiate bijan ofrece un planteamiento diferente, que sin dejar de representar lo mismo, hace que se vea de otra forma. Si el tren se desvirtúa, si se “humaniza”, puede llegarse a comprender un concepto diferente de él. Y por tanto, jugar en un terreno diferente aunque se tengan las mismas reglas.

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Ordet

Carl Theodor Dreyer (1955)

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Johannes quiere alumbrar las tinieblas, procurando colocar las velas cerca de la ventana para alumbrar el exterior, el abismo que es el mundo, para que ellos vean mas allá de sus muros. Así, enciende también la llama de la fe. La representación de un advenimiento a priori, divino, hace que los habitantes de la granja Borgen experimente un cambio espiritual de dimensiones descomunales, aunque sencillo en su manifestación. Estaban ciegos y ahora ven.

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Ta peau si lisse

Denis Côté (2017)

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La idea que se atribuye a los protagonistas de Ta peau si lisse, de gladiadores modernos, no podría ser más simplista y superficial. En fin, contraria a todo el sentido reflexivo de la obra. Pues estos hombres se mueven en un contexto, que sugiere algo más que la pretensión de tener un cuerpo perfecto para ganar un concurso. La obsesión va más allá de una recompensa meramente material, reflejando una interesante veneración al cuerpo mediante un ritual “monstruoso” pero admirable.

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Proshchanie

Elem Klimov (1983)

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En Proshchanie, se nos narra una historia que esconde un significado simbólico. El fin del mundo mediante el fin de un mundo. Sobre la naturaleza y nuestra unión con ella. Sobre un sentimiento ancestral y una verdad olvidada. Una isla llamada Matiora (Матера)—vocablo en ruso muy parecido a “madre” (мать), no de forma casual— se ve condenada a desaparecer tras la irrupción de un proyecto para construir una presa. Y sus gentes deben exiliarse.

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